Agence de presse et d'influence
Le Musée des Enfants est un nouvel espace d’exposition d’œuvres conçu pour accompagner les enfants dans leur découverte de l’art du Palais des Beaux-Arts de Lille. Gratuit et en accès libre, il propose une approche ludique et polysensorielle grâce à une scénographie adaptée et une médiation sensible et engageante, à partager entre petits et grands.
Conçu pour les 6-10 ans, ouvert à tous. Entrée gratuite.
L’exposition « Le futur, c’est quoi ? » invite à réfléchir sur la notion de « futur » et sa signification dans nos sociétés actuelles. Optimiste, elle propose des clés pour imaginer l’avenir que nous souhaitons. Collaborative et conçue avec des adolescent-e-s, elle cible principalement un jeune public. À travers des objets, des œuvres d’art et des installations, elle explore les futurs possibles de manière anthropologique, engageant le corps, l’esprit et les sens.
Considéré comme le pionnier de l’art vidéo en France, Ange Leccia, artiste plasticien connu principalement pour ses oeuvres contemplatives montées en boucles, réalise ici un hommage contemporain aux célèbres Nymphéas du peintre Claude Monet dans son oeuvre (D’)Après Monet. Présentée pour la première fois en 2022 au musée d’Orsay, Ange LECCIA filme les reflets de l’eau, les mouvements de nénuphars et la végétation environnante, créant ainsi une expérience visuelle proche de la peinture impressionniste et cherchant ainsi à reproduire l’expérience sensorielle que Monet offrait à travers ses toiles monumentales.
L’édition spéciale du Festival Normandie Impressionniste en 2026, sera l’occasion de se plonger à nouveau dans cette oeuvre envoutante et magnétique à l’intérieur du cadre exceptionnel de l’Abbaye Saint-Georges.
Au printemps 2026, à l’occasion du 400ème anniversaire de la naissance de la marquise de Sévigné, le château de Grignan inaugure un deuxième étage entièrement repensé et consacré aux figures du Grand Siècle liées à Grignan, le comte et la comtesse de Grignan, et la célèbre marquise, racontant l’histoire des destinées qui ont marqué le château.
Sur près de 500 m², ce nouveau parcours permanent propose une scénographie contemporaine enrichie de prêts et dépôts prestigieux issus de musées nationaux.
Joyau de la Renaissance où séjourna et s’éteignit la marquise de Sévigné, le château de Grignan appartient depuis 1979 au Département de la Drôme qui poursuit un programme ambitieux de restaurations et d’animations. Classé Monument historique en 1993 et labellisé Musée de France, le château de Grignan se distingue par la richesse de ses collections et la qualité de ses décors.
L’exposition propose de retracer l’histoire de la photographie à Roubaix à travers les collections du musée La Piscine, en s’intéressant autant à ses usages sociaux qu’à ses formes artistiques.
Du tirage argentique aux expérimentations numériques, de la photographie humaniste à la mise en scène conceptuelle, du cliché vernaculaire à la création plasticienne, elle offre un panorama pluriel et sensible du médium.
À travers des œuvres historiques et contemporaines, des fonds documentaires et des séries d’artistes, cet accrochage révèle la richesse du fonds roubaisien et la diversité des regards photographiques qu’il conserve – portraits d’artistes, scènes de vie ouvrière, patrimoine textile. Dans une approche transversale fidèle à l’esprit du musée, où les disciplines se rencontrent et se répondent, l’exposition fait dialoguer la photographie avec d’autres formes d’expression (peinture, sculpture, arts graphiques, céramique, haute couture) et interroge les enjeux culturels, sociaux et esthétiques de notre rapport au réel et à la mémoire collective.
Cette exposition préfigure les célébrations du bicentenaire de la photographie, organisées de septembre 2026 à septembre 2027 par le ministère de la Culture.
À travers une série de photographies sensibles, Naime Merabet explore Roubaix, la ville de son enfance, en captant la poésie du quotidien depuis les seuils: portes, fenêtres, croisements. Entre mémoire algérienne et enracinement local, il poursuit une quête identitaire mêlant errance urbaine, rencontres imprévues et dialogues silencieux. Construite autour d’un triptyque, la série aborde la convivialité discrète, la présence touchante des personnes âgées et les marques persistantes de l’exclusion sociale. L’artiste révèle une ville fière, pudique, trop souvent stigmatisée, mais profondément habitée. Inspiré par les études sociologiques, les miroirs de Pistoletto et une citation de Cartier-Bresson – « un œil froid avec un cœur chaud » – il propose un regard humble, attentif, guidé par l’instinct et l’écoute.
Ma sorcière mal nommée – Pouvoir et Magie au féminin vous plonge au cœur de l’une des figures féminines les plus puissantes et controversées de l’histoire. Loin des clichés et des fantasmes, elle confronte la richesse des représentations et des dénominations de la sorcière à la complexité de sa réalité historique.
À travers un parcours immersif nous dévoilant selon les cultures qui est désigné comme sorcière, quelles sont ses pratiques, ses savoirs et nous révélant la construction d’un archétype liée à l’inquisition et aux procès en sorcellerie, l’exposition montre comment cette figure féminine peuple nos imaginaires jusqu’à devenir aujourd’hui un emblème féministe.
Par la présentation d’œuvres rares allant de collections ethnographiques aux beaux-arts et de pièces d’archives rarement exposées comme des procès et ouvrages de démonologie, l’exposition fait la part belle à la présence de cette figure féminine dans la culture contemporaine par le biais de contes, films et objets dérivés.
C’est un pays que l’on connaît peu… et pour cause : la Corée du Nord est une des dictatures les plus fermées au monde. Le photographe Stéphan Gladieu s’y est rendu cinq fois pour réaliser une série de portraits entre 2017 et 2020. Dûment autorisé à entrer dans ce pays de contrôle absolu, accompagné en permanence, il recrée, avec son studio photographique mobile, un cadre de liberté en jouant avec les arrière-plans et les codes de la propagande. Du salon de coiffure à la patinoire, de l’usine à la rizière, une quarantaine de portraits ouvrent autant de fenêtres sur la vie quotidienne en Corée du Nord, documentant un moment charnière de l’histoire contemporaine. Soigneusement étudiée, la mise en scène frontale des modèles offre une approche humaniste d’individus habituellement fondus dans le collectif. Le travail sur les couleurs et la répétition des poses agissent comme le fil conducteur de l’exposition, entre réalité et représentation, entre identités propres et apparences codifiées. En partageant le récit de ses séances de prises de vue, Stéphan Gladieu interroge également notre rapport aux images. Devant l’appareil photographique, les NordCoréens nous regardent, autant que nous les observons. Mais que voient-ils en nous et que percevons-nous vraiment d’eux ?
L’exposition « Maurizio Galante & Tal Lancman / Haute Couture, design, art », sous la curation de Lydia Kamitsis, commissaire indépendant, fait dialoguer l’œuvre vestimentaire de Maurizio Galante avec les créations de design conçues à quatre mains par les deux artistes. Cette double exposition dévoile une œuvre multiforme, issue des conversations créatives entre différentes disciplines. Vêtements de Haute Couture, mobilier, objets de design et d’art sont donnés à voir, tous liés par la diversité des techniques employées, de la dentelle à l’ébénisterie en passant par la broderie et la photographie. L’œuvre multiforme du duo marie création plastique, artisanat et industrie, savoir-faire d’ici et d’ailleurs, dans des réalisations d’une grande délicatesse pourvues d’une touche d’espièglerie.
En 2026, le musée Estrine célèbre la matière peinture, fil conducteur de toutes ses expositions toujours dans le dialogue entre générations et sensibilités artistiques. Après la rétrospective consacrée à Roger Edgar Gillet, suivra la première exposition monographique de Marine Wallon (née en 1985), figure montante de la peinture contemporaine, révélant la subtilité de ses paysages aux textures précieuses (13 juin au 20 septembre).
Après quatre années de travaux et et une ambitieuse campagne de modernisation, La Coopérative-Musée Cérès Franco s’apprête à rouvrir ses portes le 20 juin 2026 à Montolieu, Village du Livre et des Arts au coeur de l’Aude.
Cette renaissance marque une étape majeure pour cette institution récemment labellisée Musée de France, qui abrite la collection exceptionnelle de Cérès Franco, galeriste et critique d’art brésilienne installée à Paris dès les années 1950.
La collection, d’une richesse singulière, réunit près de 1750 oeuvres de 323 artistes représentant 39 nationalités. À la confluence des arts les plus originaux du XXe siècle, elle rassemble naïfs brésiliens et européens, art singulier, artistes du mouvement CoBrA et de la nouvelle figuration… Cette collection unique reflète le goût éclectique et indépendant de Cérès Franco, qui fut la première à porter des artistes dont le travail continue à interroger notre rapport au monde.
Le bâtiment rénové, ancienne coopérative viticole du village, offrira à sa réouverture 1250 m² d’espaces modernisés et accessibles à tous les publics. Avec ses nouvelles salles d’exposition, ses réserves aux normes muséales, son centre de documentation et ses espaces pédagogiques, le musée se dote des outils nécessaires pour conserver, valoriser et partager ce patrimoine unique.
L’inauguration de juin 2026 marquera le début d’un cycle ambitieux d’expositions temporaires et d’une programmation culturelle ouverte, fidèle à l’esprit de partage qui animait Cérès Franco.
Après Prédictions. Les artistes face à l’avenir, labellisée Exposition d’intérêt national en 2024, le musée Thomas Henry prolonge ses recherches sur les thématiques surnaturelles dans l’art du XIXᵉ siècle en proposant une exposition inédite consacrée à la figure de Satan, envisagée comme un véritable anti-héros romantique.
À travers une centaine d’œuvres, l’exposition retrace la naissance et l’évolution de ce personnage dans la littérature et les arts, depuis les années 1780 jusqu’au début du XXᵉ siècle. Elle met en évidence la manière dont le diable, loin d’être uniquement une incarnation du mal, devient le symbole des désirs de révolte et d’émancipation face aux contraintes sociales, morales et religieuses de son temps. Ce parcours réunira des œuvres majeures d’artistes emblématiques tels que William Blake, Eugène Delacroix, Odilon Redon ou encore Félicien Rops, issues de collections françaises, britanniques et belges.
Le 26 juin le Muséum national d’Histoire naturelle inaugure, au sein de l’Arboretum de Versailles-Chèvreloup, un jardin et une serre de fuchsias d’exception, offrant au public la découverte inédite d’une collection végétale remarquable, à la croisée de la botanique, de l’horticulture, de la recherche et du paysage.
Pensés comme un nouvel écrin au sein de l’Arboretum, le jardin et la serre réunissent pour la première fois dans un même lieu les deux grandes dimensions du genre Fuchsia : d’une part les fuchsias horticoles, issus de décennies de sélection et d’hybridation, et d’autre part les fuchsias botaniques, espèces sauvages originaires principalement d’Amérique du Sud, d’Amérique centrale et, plus marginalement, d’Océanie.
Sur 1,5 hectares, plus de 1000 spécimens de fuchsias seront présentés sur 1000 m2 de massifs dédiés et au sein d’une toute nouvelle serre de 400 m2.
Ce projet répond à plusieurs ambitions du Muséum : ouvrir aux visiteurs une collection jusqu’ici cachée du public en offrant une expérience de visite complète autour du fuchsia ; mieux conserver, enrichir et valoriser cette collection de référence ; et poursuivre les travaux de recherche, de transmission et de médiation liés à ce groupe végétal fascinant.
Figure centrale des cercles artistiques internationaux, Francis Picabia (1879-1953) joue un rôle clé dans l’histoire des avant-gardes du début du XXe siècle. Dans les années 1910 et 1920, nourri de ses voyages entre New York et Barcelone, l’artiste élabore un langage artistique aussi audacieux qu’irrévérencieux. L’exposition au musée d’art moderne de Céret retracera le parcours de l’artiste sous un angle inédit, en explorant notamment le rôle joué par la Catalogne sur son œuvre et celle de ses contemporains. L’exposition réunira près d’une centaine d’œuvres de Picabia et de son cercle artistique new-yorkais et catalan, de Marcel Duchamp à Albert Gleizes, Robert Delaunay et Kees van Dongen, en passant par des artistes femmes qui ont joué un rôle moteur dans l’histoire des avant-gardes telles que Marie Laurencin, Juliette Roche, Sonia Delaunay ou encore Natalia Gontcharova. L’exposition bénéficiera du soutien de prestigieuses institutions en France et en Espagne, à travers des prêts exceptionnels du musée de l’Orangerie, du Centre Pompidou, du Palais Princier de Monaco, du Reina Sofía, du Museo Nacional Thyssen-Bornemisza, ou encore des musées Picasso de Paris et de l’Établissement Ville de Céret.
À l’été 2026, le musée Ingres Bourdelle de Montauban consacre une exposition inédite au rapport de Jean-Auguste-Dominique Ingres à la mode.
À travers une sélection exceptionnelle de peintures, dessins, textiles, accessoires et documents d’époque, le parcours met en lumière l’attention singulière du maître pour la représentation des étoffes, des drapés et des vêtements, révélant comment la mode façonne le regard et la composition artistique. L’exposition explore la manière dont Ingres sublime la matière textile, joue avec les transparences, s’inspire des tendances de son temps et dialogue avec l’histoire de l’art pour conférer à ses portraits une modernité intemporelle.
Cette exposition montrera également l’influence de la peinture d’Ingres sur les créateurs de mode du XXe et XXIe siècles (Castelbajac, Saint Laurent, Issey Miyake…).
Depuis sa réouverture en 2019, le musée Ingres Bourdelle propose à des artistes contemporains d’investir le second sous-sol de l’ancien palais épiscopal où se loge la salle du Prince Noir.
À l’été 2026, cet espace sera confié à Françoise Pétrovitch, artiste reconnue sur la scène internationale, dont le travail explore plusieurs médiums : le dessin, la peinture, l’estampe ainsi que la céramique et la vidéo.
La plasticienne déploiera une installation constituée de sculptures en céramique représentant des créatures hybrides et anthropomorphiques. Ce bestiaire qui ponctue l’oeuvre de la plasticienne sera mis en dialogue avec le répertoire médiéval animant de nombreuses pièces, chapiteaux, clés de voûtes, présentés depuis le XIXe siècle dans la salle du Prince Noir.
Quelques belles feuilles de l’artiste seront aussi présentées au second étage. Elles rejoindront les tiroirs de dessins réservés habituellement à Jean-Auguste-Dominique Ingres, donnant ainsi à voir le lien puissant qui existe entre la plasticienne, le dessin et le maître de Montauban.
Le musée Granet d’Aix-en-Provence présente du 4 juillet 2026 au 3 janvier 2027 une exposition exceptionnelle des photographies de Paul McCartney, célèbre chanteur des Beatles, intitulée « Paul McCartney Photographe 1963-64: Eyes of the Storm ».
Cette exposition de près de 250 clichés pris par le musicien entre 1963 et 1964, retrace une période charnière du groupe au moment où sa célébrité va dépasser les frontières de Liverpool et du Royaume-Uni, pour devenir un véritable phénomène planétaire.
C’est grâce à la redécouverte en 2020 dans les archives de Paul McCartney de près d’un millier de photographies prises par l’artiste avec un appareil photo de 35 mm, qu’est livré ce témoignage profondément personnel sur cette période décisive dans l’évolution du groupe.
L’artiste immortalise le parcours extraordinaire des Beatles, de ville en ville, de l’Europe aux Etats-Unis : Liverpool et Londres à la fin de l’année 1963, Paris, puis les Etats-Unis en février 1964 où leur performance dans l’émission « The Ed Sulivan Show » est vue par environ 73 millions de téléspectateurs.
A ce moment précis, les Beatles accèdent au statut de stars planétaires et redéfinissent la notion de célébrité à l’ère moderne, comme s’ils étaient le prototype de ce que deviendra la célébrité au cours des décennies suivantes…
Cette exposition de près de 250 photographies s’étend sur 700 m² d’espace muséal et va ainsi permettre aux visiteurs de partir à la découverte de ce groupe singulier.
Ces images révèlent une partie de l’intimité de ces quatre garçons de Liverpool en tournée, qui commencent à parcourir le monde et découvrent pour la première fois les Etats-Unis.
Cette exposition rassemble les œuvres de deux artistes dont les chemins se sont croisés à plusieurs reprises à Paris au tournant du XXᵉ siècle : Camille Claudel et Bernhard Hoetger. Tous deux se rejoignent dans leur quête de reconnaissance et dans leur volonté de s’émanciper de l’influence du maître de la sculpture, Auguste Rodin. En 1905, les œuvres de la sculptrice française sont exposées dans la galerie du marchand Eugène Blot, aux côtés de celles de l’artiste allemand, de dix ans son cadet. Au milieu de l’avant-garde, chacun développe une vivacité artistique singulière, dont le rayonnement dépasse les frontières. Plus de 120 ans plus tard, ces deux figures majeures de la sculpture sont à nouveau réunies.
En coproduction avec le musée Paula Moderson-Becker de Brême et l’Alte National galerie de Berlin.
À l’occasion du bicentenaire de la photographie, le ministère de la Culture et la Maison Vacquerie – Musée Victor-Hugo s’associent pour proposer une exposition consacrée à un proche de Victor Hugo, Auguste Vacquerie, figure majeure mais souvent méconnue de l’histoire photographique.
L’exposition mettra en lumière des fonds exceptionnels, jamais présentés au public : photographies originales, correspondances familiales inédites écrites pendant l’exil, ainsi que des pièces issues de la collection personnelle de Vacquerie, redécouvertes en 1953 lors de l’acquisition de la maison par le musée. Ces archives, aujourd’hui entièrement répertoriées, offrent un éclairage nouveau sur la pratique photographique du portrait au XIXe siècle et sur les liens entre les familles Hugo et Vacquerie.
En célébrant Auguste Vacquerie, cette exposition invite le public à redécouvrir un patrimoine photographique d’exception et à plonger dans l’intimité créative d’un artiste trop longtemps resté dans l’ombre de Victor Hugo.
Traversant plus d’un siècle et-demi d’histoire et de création, cette exposition se propose d’explorer les liens entre les mouvements, la pensée anarchiste et les arts, du XIXe siècle à la période contemporaine.
Premier mouvement à contester toute forme d’autorité, creuset d’une pensée intersectionnelle des luttes, d’une critique de l’impérialisme, des effets du capitalisme sur les hommes et sur la nature, l’anarchisme a été à l’avant-garde de questionnements au combien actuels. Par leur foisonnement, leur plasticité et par la place qu’elles réservent à la liberté de l’artiste, les idées libertaires ont séduit dès leur émergence dans les années 1840 nombre d’entre eux – au premier rang desquels, dès les années 1890, Paul Signac, Maximilien Luce ou encore Félix Vallotton. Si après la Libération, Léo Ferré chante « il n’y en a pas un sur cent et pourtant ils existent » à propos des anarchistes, c’est que la pensée libertaire est bien vivante. Elle infuse alors de nouveaux courants culturels – de Mai 68 au punk. Aussi, comment ne pas voir aujourd’hui la résurgence de la pensée anarchiste dans certaines interventions sauvages de street artists dans l’espace public ?
Pensée sans dogme, divers dans les formes qu’il adopte et dans les moyens qu’il promeut, réinventé dans chaque pays où il essaime et à chaque époque qu’il traverse, l’anarchisme méritait une exposition hors normes, mêlant toutes les disciplines – peinture, sculpture, mode, design, architecture, cinéma, littérature ou encore musique – tant ses idées ont influencé tous les pans de la création à différentes périodes.
Cette exposition est une co-production organisée par La Piscine-Musée d’art et d’industrie André Diligent de Roubaix et le musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon (où elle sera présentée de février à juin 2027). Elle bénéficie du soutien exceptionnel du musée d’Orsay, de l’Annonciade-Musée de Saint-Tropez et des Archives Signac.
Commissariat : Adèle Taillefait, conservatrice des collections Beaux-Arts, La Piscine-Musée d’art et d’industrie André Diligent, et Maël Vandewalle, conservateur des collections Beaux-Arts au musée des Beaux-Arts et d’Archéologie de Besançon.